Las musas

Son divinidades femeninas, presiden las artes y las ciencias, inspiraban a filósofos y poetas. Protectoras de las ciencias y las artes liberales. Son nueve, mostraban el encadenamiento de las artes entre sí. Nacidas del amor de Zeus y Mnémósime, nietas de Urano, el cielo y Gea, la tierra. Se encontraban en el monte Parnaso.

Caliope: Musa de la poesía épica y la elocuencia. Lleva corona dorada, se adorna con guirnaldas, lleva trompeta en mano y un poema épico en la otra.

Clío: Musa de la historia y de la poesía heróica, coronada con laureles, lleva una trompeta en la mano derecha y un libro en la mano izquierda a veces un globo terráqueo, otras un rollo de papel papiro y una caja para guardar rollos.

Erato: Musa de la poesía amorosa coronada con mirto y rosas, lleva una pequeña lira o cítara. Lleva una flecha de oro, dos tórtolas picotenado, a veces un amor alado otras una antorcha encendida.

Euterpe: Musa de la música, protectora del arte de tocar la flauta, coronada de flores, en sus manos doble flautin, a veces violines, guitarra o tambor. También es musa de la poesía lírica.

Melpómene: Una de las dos musas del teatro, del canto, armonía y tragedia. Ricamente vestida, mirada severa, lleva en la mano máscara trágica, a veces empuña un cetro, una corona de pámpanos o un puñal ensangrentado.

Thalía: Musa de la comedia y la poesía pastoril, divinidad de carácter rural, risueña y burlona, lleva en la mano máscara cómica, un bastón de pastor, corona de hiedra (símbolo de inmortalidad) y sandalias, es la mayor de las tres gracias.

Polimnia: Musa de la poesía sacra-lírica, también musa de la retórica y la pantomima. se representa vestida de blanco, recostada, apoyada en un pedestal o roca en actitud de meditación, pensando, con un dedo en la boca, a veces lleva cadenas como símbolo de poder de la elocuencia, otras lleva un velo de carácter sagrado. Enseña la agricultura.

Terpsicore: Deleita con la danza, musa de la poesía ligera para acompañar el baile, también es musa del canto coral, joven esbelta, aire jovial, lleva una girnalda de flores en su corona, en sus manos una lira. Madre de las sirenas.

Urania: Musa de la astronomía y astrología, vestida de azul. Representa la bóveda celeste aparece con el globo terráqueo. Mide posiciones con un compás. Corona o diadema con un grupo de estrellas como en su manto. se acompaña de instrumentos matemáticos, musa de las matemáticas y ciencias exactas.

Coatlicue

Es una escultura majestuosa que forma parte del acervo del Museo Nacional de Antropología. Se ubica en la sala Mexica. Fue encontrada el 13 de Agosto de 1790 cuando se realizaba el empedrado de la Plaza Mayor, pero volvieron a enterrarla ya que causo miedo. La sacaron nuevamente y la llevaron a la universidad que se ubicaba a un costado de Palacio Nacional, pero, la volvieron a enterrar ya que a los indigenas les causaba interés y burlaban la vigilancia para ir adorarla. En 1803 Humboldt logra que sea desenterrada y entre 1821 y 1824 la sacaron a la luz pública para siempre.

Está hecha en una piedra volcanica pero no se sabe de donde. Es de una sola pieza tallada. Es una figura que condensa muchos significados. Lo que predomina es la serpiente que se repite en la cabeza, el cinturón, el faldellín y en medio en las extremidades inferiores y superiores. Se le relaciona con Cihuacóatl (la mujer serpiente) pero también se le relaciona con la madre de los dioses Coyolxauhqui y Huitzilopochtli, también con Yaocíhuatl una guerrera, Ayopechtli la parturienta y alumbradora, Cihuateo que representa a las mujeres muertas en parto. Por sus pechos flácidos se le considera mujer pero también se le relaciona con Xipetotec que se viste con la piel del desollado. Tiene una estructura piramidal. Su tronco se compone de cuatro zonas de preoporciones iguales, marcadas por horizontes a diferentes niveles.

Tiene como pies dos garras que son una mezcla de ágila y jaguar. Por la forma de su cabeza y su lengua bífida parece que es una serpiente que está a punto de atacar y devorar. Aparecen los círculos llamados ojos por Justino Fernández, que también son representacíones de estrellas. LLeva en su atavío plumas de quetzal que es un material precioso, por detrás le cuelgan trenzas con cuero que pertenecen a los cautivos de la guerra, otro símbolo de la guerra es el collar de manos y corazones. Sus escamas representan los ojos del cielo, es decir las estrellas representadas como turquesas. La Dra. Maria Teresa Uriarte asegura que son turquesas encerradas por la retícula que simula las escamas del animal.

Coa es un instrumento que sirve para picar la tierra, objeto que alude a la fertilización y la agricultura. Los historiadores de indias no hablan de Coatlicue, pero se refieren a mitos y rituales donde aparecen piezas que tienen cierta semejanza. El cráneo (símbolo de la muerte) tenían participación como objetos de culto representativos del ciclos de vida, sobre todo en el Mictlán y se combinan con las representaciones de Tlaltecutli y la parte baja lleva la representación de Tláloc con un collar de cinco flores que se refieren a la fertilidad y goce del inframundo. Tiene la fecha 1 Tochtli (conejo) que corresponde a 1325 cuando fundaron Tenochtitlan, son tres círculos con banda, 3 Xiuhmolpilli o atadura de los 52 años. 

Se recomienda consultar a Justino Fernández, Maria Teresa Uriarte, León y Gama, Rubén Bonifaz Nuño y Paul Westheim.  

Grafiti hip hop

Para comenzar una reflexión sobre Grafiti hip hop es importante comentar que la intensión, deseo y ejecución de pintar en las paredes tiene orígenes ancestrales, tal y como lo muestran los petroglifos y las cuevas donde se conservan las pinturas rupestres. Algunas personas toman como referencia los murales de diferentes épocas, pero lo que vale la pena distinguir es que las técnicas, los estilos y la iconografía del grafiti hip hop se relaciona con el imaginario colectivo y pertenece a una de las culturas globales más importantes del entorno contemporáneo.

Tanto la etimología de la palabra, como el origen, son temas a discusión, la palabra grafiti viene del italiano y significa rayar las paredes, esta referencia podría tener como ejemplo las inscripciones en árboles o en muros rascando o rayando, pero en grafiti hip hop en realidad es una escritura que sigue la tradición de las pintas a modo de consigna política, pero que renuncia al slogan y está centrado en la marca visible de un sujeto o varios que ejecutan la pieza en equipo, para dejar una marca semi-anónima, donde la rubrica y la gramática se alteran para codificar mensajes en clave.

El grafiti hip hop pertenece a la contracultura porque se apropia de los espacios citadinos cometiendo un acto voluntario para la desobediencia civil, contradecir los mecanismos que operan excluyendo a las minorías étnicas, pero sobre todo para disipar las barreras entre la creatividad, la disidencia y la travesura adolescentaria. Los estilos de grafiti son el tag, la bomba, la pieza y el mural. Se pueden diferenciar de las marcas territoriales de pandillas, porque precisamente de lo que se trata es de poder extender la visibilidad de su obra pictórica. Para eso usan la pintura en aerosol, modificando sus aplicaciones a partir del tamaño de las válvulas y de la aplicación de la línea. Algunas personas lo consideran un delito organizado cuando en realidad es una presencia dentro de las grandes urbes donde predomina el egoísmo y la indiferencia.

El grafiti, que pertenece a la cultura hip hop, abrió amplias posibilidades para la experimentación del entorno urbano, ya que la juventud logró transformar su vida a partir del ejercicio creativo, la adrenalina y la enseñanza en las propias calles de unos a otros. Lo que viene después del grafiti se ha clasificado como Logos street, la diferencia radica en la preparación, ya que los que realizan esténcil, sticker o empapelado, es la juventud preparada, especializados en diseño, que tienen no sólo las herramientas y los medios de producción, sino que toman como fuente de inspiración las calles para obsequiar al transeúnte una imagen decorativa, reflexiva, política o naif, cuyos referentes son los medios de comunicación colectiva. El arte urbano y contracultural se abre paso de forma secreta y clandestina en las grandes urbes cosmopolitas del mundo global.

Jean-Michel Basquiat

Pintor Estadounidense hijo de un padre haitiano y una madre puerorriqueña. Nació en Brooklyn en 1960. Es considerado como el artista más joven que  alcanzó la fama en poco tiempo. Desde corta edad decidió convertirse en un disidente y vagabundo. Vivió en edificios abandonados y decoraba playeras y postales para obtener ingresos. La vida de Basquiat se relaciona con la contracultura de Nueva York en la época en la cual el downtown de Manhattan era escenario de las controversiales historias de artistas en busca de reconocimiento, sólo algunos alcanzaron la fama. Basquiat se relacionó con bandas punk, con grafiteros e incluso con delincuentes del mundo de la droga.

Las imágenes de Basquiat despertaron el interés de la crítica y el mercado. Sus referencias iconográficas tomaron al arte africano, los modelos del budú y las culturas suburbanas, así logró crear un estilo propio que iba más allá de la escritura y de la pintura en sí. Se le considera neo-expresionista, ya que fue influenciado por los artistas del expresionismo abstracto; su actitud y gestualidad fueron el atractivo de su personalidad, no sólo se destacó como artista visual, también dedicó su sensibilidad artística a la música. Andy Warhol consideró a Basquiat como una importante figura del arte contemporáneo pero disentía en su estilo de vida relacionado con las drogas, aún así trabajaron juntos en varias ocasiones.

Los cuadros de Basquiat fueron apreciados y en ciertos momentos las obras eran vendidas sin conclusión o incluso frescas. Cuando de encontraba en la cúspide de su carrera artística y su obra había llegado a importantes museos en Europa, murió de una sobredosis de heroína, tiempo después de haber asegurado que estaba limpio.

La película Downtown 81 (dirigida por Edo Bertoglio, escrita por Glenn O'Brien y producida por  Maripol), a pesar de no ser un documental de su vida, es un vivo retrato de un artista adolescente que lleva una vida compleja en la contracultura. Las acciones y los escenarios son característicos del momento histórico donde se presenta la parte baja de Manhattan en ruinas y en medio de la desolación. El tiempo corresponde a una jornada completa, en la cuál recorre las calles de Nueva York mostrando esa actitud de vagabundo, pobre y bohemio. Es un poeta que plasma sus pensamientos en los muros de los espacios citadinos. Basquiat será recordado como Samo, aunque como él mismo escribió: SAMO is dead.

Soho New York

Una de las zonas más visitadas de la gran manzana reúne los atractivos característicos del capítalismo y la sociedad de consumo, pero muchas personas podrían pensar que eso lo tiene Manhattan en su totalidad, sin embargo, el Soho comparte una historia apasionante a partir de su transformación citadina, misma supera lo inverosimil de la leyenda urbana que la mitifica. 

A fines de los sesenta el Soho era un barrio pobre rodeado de zonas industriales y prostitución, pero fue dos décadas antes cuando los altos costos de Greenwich Village y los bajos precios del Soho fueron el atractivo para que las enormes fábricas abandonadas fueran convertidas en lofts y estudios para los artistas de la escena citadina, eran valorados como espacios amplios, bien iluminados y con rentas bajas, pero los edificios estaban calificados para ser pequeñas industrias y almacenes, por lo que era ilegal habitarlos. En los sesenta el gobierno se propuso derribar los edificios  pero los artistas lograron salvar la zona que se convirtió desde entonces en un distrito histórico en 1973 recibió el nombre de SoHo Cast-Iron Historic District. Su diseño urbano se conoce como cast-iron architecture, el hierro fue un material que se utilizó después de la Revolución Industrial, por ser económico y práctico. 

En los setentas con la llegada de importantes galerías como Leo Castelli, Andre Emmerich y Jonh Weber, se inyectó capital a la zona. El Guggenheim inauguró su primer edificio en 1992. En los años ochenta emerge como un sitio donde las galerías no sólo albergan arte, sino también se convierten en boutiques de lujo, eso propicia un aumento en los precios y un elevado costo de vida para los habitantes. Los estudios y talleres de artistas se mudan a Tribeca y Chelsea, zonas que logran experimentar la misma historia.  

Actualmente, algunas galerías de arte siguen en la zona, pero su carácter refinado lo ha convertido en un atractivo turístico y un espacio para el comercio y el esparcimiento; gracias a sus tiendas y restaurantes.

Venus/Afrodita

Diosa de la belleza y el amor, nacida de la espuma del mar. Representa la voluptuosidad, la gracia y la hermosura, así mismo, el principio de la fecundidad y la generación universal. Reina del cielo, de la tierra y de las aguas. Los romanos heredaron su culto de Afrodita (griega), capaz de subyugar a los dioses, su hermosura y control sobre el deseo le confieren un gran poder. Se caracteriza por su belleza y desnudez, ella nace adulta. Es la diosa de los jardines y campos, ella obtiene el título de diosa de la belleza en el Juicio de París" quien entrega la manzana de la discordia.

Sus atributos son la concha, la manzana, la paloma y el delfin, rosa y mirto (arbustos aromáticos). Se acompaña con Eros (Cupido), las Gracias y las Horas. Se ocupa del amor, el deseo, la belleza femenina y el matrimonio.

Afrodita corresponde al culto en la mitología Griega, es la diosa del amor, la lujuria, la belleza, la prostitución y la reproducción. En el siglo V a.C. existían dos diosas diferentes: Afrodita Urania nacida de la espuma del mar después de que Crónos castrase a Urano. Afrodita Pandemos es la divinidad del pueblo, nacida de Zeus y Dione, la diferencia radica en el culto. Para los Neoplatónicos y Cristianos existe Afrodita Celestial que representa el amor del alma, mientras Afrodita Pandemos es el amor físico.

Venus era la mujer de Vulcano, dios de la forja y los metales, pero a menudo le era infiel. Entre sus muchos amantes está Marte (Dios de la guerra), el bello pastor Adonis. Es madre de Cupido.

Ejemplos

• La Venus de Milo (150-100 a.C) Descubierta en Melos en 1820. Es una figura Clásica de Mármol. Mide 2, 05 m de altura.
• El Nacimiento de Venus (1863) de Alexandre Cabanel. Óleo sobre lienzo. Museo d´Orsay.

En la época imperial fue venerada bajo diferentes aspectos:

• Venus Fénix, portadora de la buena fortuna.
• Venus Vitrix, portadora de la Victoria.
• Venus Verticordia, portadora de la castidad femenina.

En contraposición a los ideales de belleza y perfección se encuentra la Venus de Willendorf, constituye una belleza atípica. Está hecha de piedar caliza con una altura de 11.5 cm. Se constituye por formas atípicas, es una representación naturalista del periodo Paleolítco superior. Destaca por la belleza de sus formas, el equilibrio de masa y disposición simétrica de las formas bien logradas. Es una figura de la fecundidad.

• Se omiten manos, pies y rasgos faciales.
• Se representa el triángulo púbico, subrayando los senos, glúteos y el estómago.

Historia del arte

MET, Nueva York

Es la historia de todas las manifestaciones artísticas, en específico de las bellas artes, así como de las artes visuales clásicas. Procura un examen objetivo del arte, para eso clasifica y periodiza a partir de las distinciones, comparaciones e influencias. Materia que se ocupa de estudiar, clasificar, valorar y describir distintos movimientos artísticos, sistematizándolos según su ordenación cronológica, distribución geográfica y escuelas. Los géneros artísticos no son sólo un modo de clasificar las obras por su tema. A lo largo de la historia del arte, han sido la matriz misma de la creación artística que afecta a la técnica, al formato, a las dimensiones, al estilo y a la capacidad de comunicación.

Existen dos elementos a cosiderar: La técnica con la que ha sido compuesto y su valoración estética, es decir su belleza, esto en relación con su significación espacio temporal. La historia del arte es tributaria de la historia universal, ya que las obras suministran datos y son fuentes históricas. La obra es una creación subjetiva, una materialización de la inspiración, de las ideas libres que nacen del espíritu del artista.

El estudio de la historia del arte comienza en el Renacimiento y se enfoca en occidente, en función de sus valores culturales. Johann Winckelmann es el fundador de la historía del arte. Recupera la utopía de la sociedad helénica que se funda en la estética, es decir, la educación de la belleza y virtud (Espíritu Neoclásico).

Giorgio Vasari (Arquitecto, pintor y escritor) Realiza biografías  de artistas italianos entre 1542-1550. Era romántico, lúcido y entusiasta ante el movimiento realista. El trabajo de un historiador del arte implica buscar fuentes de información, no sólo se necesita saber la historia, se trata de ofrecer nuevas formas para entender y aproximarse a las obras desde otros contextos y retomar conceptos del pasado para su aplicación en el presente y futuro.

La belleza y el desnudo

Lo bello es un bien, aquello que permite estimular nuestro deseo, hablamos de belleza cuando disfrutamos de algo aunque sólo sea en la contemplación, sin que nos pertenezca. La belleza es una interpretación de la creación artística, es un intento de representar de forma bella aún cuando fuera peligrosa o repugnante.

Artistas, poetas y novelistas han explicado a través de los siglos su opinión de lo bello. Su consideración está relacionada con la época y las culturas. Sobre el criterio de valoración de la belleza el Oráculo Delfos responde Lo más justo es lo más bello. En el arte y la poesía, la belleza puede alegrar la mirada o la mente, pero no siempre están relacionados con la verdad. "El que es bello es amado, el que no es bello, no es amado".

Los Griegos vieron sólo en el cuerpo humano la apariencia externa, en la plástica helénica plasmaron la voluntad de cincunstribir lo real.

A partir del Clasisismo, la gracia femenina se convirtió en el tema predilecto de los artistas. Antes de alcanzar el desnudo total trabajaron sus obras para descubrir formas y ropajes adheridos y acentuar así la presencia carnal. La representación del desnudo femenino constituía un himno a una nueva sensualidad. Mirón, Fidias, Policleto, Escopas y Lisipo dictaba la naturaleza de las proporciones que juzgaban ideales.

Para los Romanos la Venus triunfante inspiró más de cuatro siglos, se realizó en pintura al fresco y mosaico.

El estilo cortesano internacional del S.XV trajo una nueva popularidad al desnudo, sobre esto trabajaron los maestros flamencos entre los que destaca Van Eyck. El tipo de mujer representada tenía pecho alto y pequeño, con vientre redondo y piernas largas (lo que obsesionó a Lucas Cranach).

El nacimiento de Venus de Boticelli es la muestra de la libre expresión, imaginación liberada de viejos, prejuicios religiosos. Abren camino a los grandes maestros del Renacimiento italiano: Giorgione, Tiziano, Miguel Angel, el resultado es la expresión de un poderoso lirismo. El nombre es impreciso, en realidad es la llegada de Venus que se desplaza por los vientos alados que soplan para que se aproxime a la playa. Es una representación púdica, el color de su piel es ideal, casi como el mármol y su expresión fácial es melancólica.

Arte: Imagen

El arte

Deriva del latín ars, significa habilidad o talento, oficio, profesión o técnica. El significado actual proviene del Italiano artte, con esa palabra se designaban los gremios o corporaciones de artesanos en la baja Edad Media. El concepto implica hacer o producir algo váliendose de una técnicas precisas. 

El arte es un objeto o concepto cuya expresión se manifiesta en diversas formas o ideas que se plasman por medio de  materiales, mismos que se transforman al ser manipulados, pero también el cuerpo del artista puede ser la obra en sí.

La creación artística implica producir belleza, suscitar emoción y proporcionar una experiencia estética, en específico en las llamadas Bellas Artes. Estudiar el arte implica concentración, interés y sobre todo amor, ya que muestra la libertad de creación, experimentación y el anhelo por descubrir.

La imagen

Constituye uno de los fenómenos culturales más importantes, una de las realidades vivas más apasionantes del entorno para el ser civilizado. La imagen es  figura o representación de una cosa. La palabra deriva del Latín Imago que significa figura, sombra e imitación. Por lo tanto, indica toda representación figurada y relacionada con el objeto representado, esto a partir de su analogía o semejanza perceptiva.

La imagen fija tiene su origen en el deseo del ser por retener y perpetuar a través del tiempo, un aspecto visual del entorno, su exterior. Se caracteriza por su grado figurativo, es la representación de objetos y seres conocidos intuitivamente a través de nuestros ojos y también por su iconicidad (el nivel de realismo de una imagen en comparación con el objeto que ella representa). La noción de forma está estrechamente relacionada con la idea de contorno y pertenecia a éste.

La existencia de imágenes implica la presencia de elementos: forma, movimiento y percepción humana, que sólo aparecen cuando hay un sujeto receptor. No puede haber imagen sin un proceso de comunicación. Del encuentro entre la imagen, el movimiento, la abstracción y la realidad, aparecen los distintos niveles de la esquematización. En la imagen intervienen fondo, contenido, significación ideológica, emotiva y sentimental