Estudio sobre la pintura: el temple

 

Presentación de Maria en el Templo, Giotto
1266-1337 Italia

Consiste en mezclar el pigmento con yema de huevo y diluirlo con agua, de preferencia destilada. Al aplicarlo sobre una superficie preparada el agua se evapora, el huevo y el pigmento forman una capa de color fino y resistente. Esta manera de pintar se conoce como “Temple antiguo”.

El temple no tiene la flexibilidad del óleo ni la nobleza de su aplicación pero seca rápidamente y el color conserva su frescura original, conserva su tono y eso no sucede con el óleo que se amarillea con el tiempo. La frescura de su color se puede apreciar en muchas de las grandes obras de la Edad Media.

 Los antiguos artistas de Babilonia, Grecia y China usaron el temple, se conservan muestras en tumbas egipcias, catacumbas cristianas y altares bizantinos. Para citar algunos de los grandes maestros que usaron la pintura al temple se puede comenzar con el florentino Giotto (1266-1337) que pintó en las iglesias de Asís y Padúa, las obras se conservan como recién acabadas de pintar y que tienen más de 600 años de su realización.



El nacimiento de Venus (1484) de Sandro Botticelli

El catalán Pedro Serra (1345-1405), pintó al temple “La anunciación” a finales del siglo XIV. Varias obras maestras de Fra Angélico (1387-1455) con sus azules que no tienen igual y que no podría obtenerse con otras técnicas Francesca (1410-1492) realizó “La natividad” un temple clásico y Duccio (1255-1319) en “Cristo curando a un ciego”. Piero Lorenzetti (1320-¿) con “La Virgen y los ángeles”. El también florentino Sandro Boticelli (1445-1510) con los maravillosos detalles del “Nacimiento de Venus”.



Durante los siglos XVII y XVII, el uso del temple fue casi olvidado, aunque algunos grandes maestros continuaron usándolo como base de sus trabajos para luego terminarlos al óleo. Una especie de renacimiento del temple se inició con el inglés Samuel palmer (1805-1881), el austriaco Gustav Klimt (1862-1918), el alemán Brocklin (1827-1901), el francés Gustave Moreau (1826-1898). Estos grandes maestros dieron una especie de revitalización a la técnica del temple.

A partir del americano Andrew Wyeth (1917-¿) y la nueva escuela americana, esta técnica ha cobrado nueva popularidad. Desde tiempos antiguos se han experimentado una gran diversidad de temples, que sin perder su característica fundamental, que es la frescura del color y su permanencia, de alguna manera se distinguen unos de otros

El período de máximo empleo del temple es anterior a la afirmación y difusión de la pintura al óleo. Entre los siglos XV y XVI, el temple es la técnica de las pinturas medievales. En su mayoría aplicada sobre madera.

Fra Angelico - La anunciacion (1430)

Se pueden distinguir tres grandes períodos en la forma y empleo del temple:

1. El período anterior a las grandes innovaciones de finales del siglo XIII y comienzos del XVI, superposiciones sucesivas de color.

2. En el siglo XVI y primer Quatrocento, el empleo del color aplicando sobre el dibujo veladuras sucesivas que se definen por transparencia.

3. Mezcla de los dos procedimientos anteriores pero fundamentalmente lo que caracteriza al temple son las transparencias.

A medida que la sensibilidad gana terreno, se aprecian otros valores distintos del dominio experimental de la visión, el sentido matérico, la pasta y la tactibilidad del material. Es entonces que el óleo comienza a estar más acorde con estas posibilidades.

Apuntes de la clase "Técnicas y materiales" Maestro Francisco de Santiago Silva. Academia de San Carlos.

Teoría del arte

MET, Nueva York

Para propiciar un diálogo sobre la percepción y valoración del arte es importante conocer los planteamientos teóricos de Wölfflin en su libro "Conceptos Fundamentales de la Historia del Arte", para lo cual he preparado una síntesis que quiero compartir con ustedes.

Estudiar el arte permite estudiar la historia del ser humano ya que los principios que acompañan el entendimiento de la obra se relacionan con la tradición, con la herencia cultural y el contexto. El arte es considerado el espejo de la vida y permite la libre expresión a partir de la representación de asuntos diversos, haciendo uso del lenguaje que se obtiene paulatinamente.

La visión es un elemento que propicia el encuentro de la forma vital de comprensión, esto en relación con la propia historia de quien contempla y a partir de los grados evolutivos enriquecidos por los contrastes. Para entrar en relación con el entendimiento de una obra de arte, la mirada crea la posibilidad de ver y dar forma, esto ilumina la trayectoría de quien participa del encuentro y le pone luz a un valor especial, entonces abre la dirección y el camino, es un tránsito infinito a la conservación intelectual.

Cuando el artista se propone realizar una pieza entra en relación con categorías unidas y en combinación que anteceden su proceso creativo y su concepción pictórica manifiesta sus categorías de visión que muchas veces entran en tensión con la perspectiva, creando efectos ópticos o pone en relación significados para la vista de quien contemplará para despertar su sentido plástico y sentimientos. El resultado puede afectar en sentido decorativo e imitativo evocando sus formas de comprensión y representación.

El momento de inspiración se nutre del anhelo de figurar y proyectar composiciones para ocupar el plano  que las figuras se dispongan llenando el marco a partir de la forma libre y abierta, una interpretación que depende del estado de ánimo para encarnar un ideal dentro de la esfera de la sensibilidad. En ciertos casos pretende acomodar una cierta belleza y explicarla a partir de la naturaleza con una impresión de vitalidad, otras, el artista experimenta un cambio de disposición en el interés, buscando así el significado del ser, lo esencial de la forma sólida y permanente, esto es intuición y movimiento. 

Las musas

Son divinidades femeninas, presiden las artes y las ciencias, inspiraban a filósofos y poetas. Protectoras de las ciencias y las artes liberales. Son nueve, mostraban el encadenamiento de las artes entre sí. Nacidas del amor de Zeus y Mnémósime, nietas de Urano, el cielo y Gea, la tierra. Se encontraban en el monte Parnaso.

Caliope: Musa de la poesía épica y la elocuencia. Lleva corona dorada, se adorna con guirnaldas, lleva trompeta en mano y un poema épico en la otra.

Clío: Musa de la historia y de la poesía heróica, coronada con laureles, lleva una trompeta en la mano derecha y un libro en la mano izquierda a veces un globo terráqueo, otras un rollo de papel papiro y una caja para guardar rollos.

Erato: Musa de la poesía amorosa coronada con mirto y rosas, lleva una pequeña lira o cítara. Lleva una flecha de oro, dos tórtolas picotenado, a veces un amor alado otras una antorcha encendida.

Euterpe: Musa de la música, protectora del arte de tocar la flauta, coronada de flores, en sus manos doble flautin, a veces violines, guitarra o tambor. También es musa de la poesía lírica.

Melpómene: Una de las dos musas del teatro, del canto, armonía y tragedia. Ricamente vestida, mirada severa, lleva en la mano máscara trágica, a veces empuña un cetro, una corona de pámpanos o un puñal ensangrentado.

Thalía: Musa de la comedia y la poesía pastoril, divinidad de carácter rural, risueña y burlona, lleva en la mano máscara cómica, un bastón de pastor, corona de hiedra (símbolo de inmortalidad) y sandalias, es la mayor de las tres gracias.

Polimnia: Musa de la poesía sacra-lírica, también musa de la retórica y la pantomima. se representa vestida de blanco, recostada, apoyada en un pedestal o roca en actitud de meditación, pensando, con un dedo en la boca, a veces lleva cadenas como símbolo de poder de la elocuencia, otras lleva un velo de carácter sagrado. Enseña la agricultura.

Terpsicore: Deleita con la danza, musa de la poesía ligera para acompañar el baile, también es musa del canto coral, joven esbelta, aire jovial, lleva una girnalda de flores en su corona, en sus manos una lira. Madre de las sirenas.

Urania: Musa de la astronomía y astrología, vestida de azul. Representa la bóveda celeste aparece con el globo terráqueo. Mide posiciones con un compás. Corona o diadema con un grupo de estrellas como en su manto. se acompaña de instrumentos matemáticos, musa de las matemáticas y ciencias exactas.

Coatlicue

Es una escultura majestuosa que forma parte del acervo del Museo Nacional de Antropología. Se ubica en la sala Mexica. Fue encontrada el 13 de Agosto de 1790 cuando se realizaba el empedrado de la Plaza Mayor, pero volvieron a enterrarla ya que causo miedo. La sacaron nuevamente y la llevaron a la universidad que se ubicaba a un costado de Palacio Nacional, pero, la volvieron a enterrar ya que a los indigenas les causaba interés y burlaban la vigilancia para ir adorarla. En 1803 Humboldt logra que sea desenterrada y entre 1821 y 1824 la sacaron a la luz pública para siempre.

Está hecha en una piedra volcanica pero no se sabe de donde. Es de una sola pieza tallada. Es una figura que condensa muchos significados. Lo que predomina es la serpiente que se repite en la cabeza, el cinturón, el faldellín y en medio en las extremidades inferiores y superiores. Se le relaciona con Cihuacóatl (la mujer serpiente) pero también se le relaciona con la madre de los dioses Coyolxauhqui y Huitzilopochtli, también con Yaocíhuatl una guerrera, Ayopechtli la parturienta y alumbradora, Cihuateo que representa a las mujeres muertas en parto. Por sus pechos flácidos se le considera mujer pero también se le relaciona con Xipetotec que se viste con la piel del desollado. Tiene una estructura piramidal. Su tronco se compone de cuatro zonas de preoporciones iguales, marcadas por horizontes a diferentes niveles.

Tiene como pies dos garras que son una mezcla de ágila y jaguar. Por la forma de su cabeza y su lengua bífida parece que es una serpiente que está a punto de atacar y devorar. Aparecen los círculos llamados ojos por Justino Fernández, que también son representacíones de estrellas. LLeva en su atavío plumas de quetzal que es un material precioso, por detrás le cuelgan trenzas con cuero que pertenecen a los cautivos de la guerra, otro símbolo de la guerra es el collar de manos y corazones. Sus escamas representan los ojos del cielo, es decir las estrellas representadas como turquesas. La Dra. Maria Teresa Uriarte asegura que son turquesas encerradas por la retícula que simula las escamas del animal.

Coa es un instrumento que sirve para picar la tierra, objeto que alude a la fertilización y la agricultura. Los historiadores de indias no hablan de Coatlicue, pero se refieren a mitos y rituales donde aparecen piezas que tienen cierta semejanza. El cráneo (símbolo de la muerte) tenían participación como objetos de culto representativos del ciclos de vida, sobre todo en el Mictlán y se combinan con las representaciones de Tlaltecutli y la parte baja lleva la representación de Tláloc con un collar de cinco flores que se refieren a la fertilidad y goce del inframundo. Tiene la fecha 1 Tochtli (conejo) que corresponde a 1325 cuando fundaron Tenochtitlan, son tres círculos con banda, 3 Xiuhmolpilli o atadura de los 52 años. 

Se recomienda consultar a Justino Fernández, Maria Teresa Uriarte, León y Gama, Rubén Bonifaz Nuño y Paul Westheim.  

Grafiti hip hop

Para comenzar una reflexión sobre Grafiti hip hop es importante comentar que la intensión, deseo y ejecución de pintar en las paredes tiene orígenes ancestrales, tal y como lo muestran los petroglifos y las cuevas donde se conservan las pinturas rupestres. Algunas personas toman como referencia los murales de diferentes épocas, pero lo que vale la pena distinguir es que las técnicas, los estilos y la iconografía del grafiti hip hop se relaciona con el imaginario colectivo y pertenece a una de las culturas globales más importantes del entorno contemporáneo.

Tanto la etimología de la palabra, como el origen, son temas a discusión, la palabra grafiti viene del italiano y significa rayar las paredes, esta referencia podría tener como ejemplo las inscripciones en árboles o en muros rascando o rayando, pero en grafiti hip hop en realidad es una escritura que sigue la tradición de las pintas a modo de consigna política, pero que renuncia al slogan y está centrado en la marca visible de un sujeto o varios que ejecutan la pieza en equipo, para dejar una marca semi-anónima, donde la rubrica y la gramática se alteran para codificar mensajes en clave.

El grafiti hip hop pertenece a la contracultura porque se apropia de los espacios citadinos cometiendo un acto voluntario para la desobediencia civil, contradecir los mecanismos que operan excluyendo a las minorías étnicas, pero sobre todo para disipar las barreras entre la creatividad, la disidencia y la travesura adolescentaria. Los estilos de grafiti son el tag, la bomba, la pieza y el mural. Se pueden diferenciar de las marcas territoriales de pandillas, porque precisamente de lo que se trata es de poder extender la visibilidad de su obra pictórica. Para eso usan la pintura en aerosol, modificando sus aplicaciones a partir del tamaño de las válvulas y de la aplicación de la línea. Algunas personas lo consideran un delito organizado cuando en realidad es una presencia dentro de las grandes urbes donde predomina el egoísmo y la indiferencia.

El grafiti, que pertenece a la cultura hip hop, abrió amplias posibilidades para la experimentación del entorno urbano, ya que la juventud logró transformar su vida a partir del ejercicio creativo, la adrenalina y la enseñanza en las propias calles de unos a otros. Lo que viene después del grafiti se ha clasificado como Logos street, la diferencia radica en la preparación, ya que los que realizan esténcil, sticker o empapelado, es la juventud preparada, especializados en diseño, que tienen no sólo las herramientas y los medios de producción, sino que toman como fuente de inspiración las calles para obsequiar al transeúnte una imagen decorativa, reflexiva, política o naif, cuyos referentes son los medios de comunicación colectiva. El arte urbano y contracultural se abre paso de forma secreta y clandestina en las grandes urbes cosmopolitas del mundo global.

Jean-Michel Basquiat

Pintor Estadounidense hijo de un padre haitiano y una madre puerorriqueña. Nació en Brooklyn en 1960. Es considerado como el artista más joven que  alcanzó la fama en poco tiempo. Desde corta edad decidió convertirse en un disidente y vagabundo. Vivió en edificios abandonados y decoraba playeras y postales para obtener ingresos. La vida de Basquiat se relaciona con la contracultura de Nueva York en la época en la cual el downtown de Manhattan era escenario de las controversiales historias de artistas en busca de reconocimiento, sólo algunos alcanzaron la fama. Basquiat se relacionó con bandas punk, con grafiteros e incluso con delincuentes del mundo de la droga.

Las imágenes de Basquiat despertaron el interés de la crítica y el mercado. Sus referencias iconográficas tomaron al arte africano, los modelos del budú y las culturas suburbanas, así logró crear un estilo propio que iba más allá de la escritura y de la pintura en sí. Se le considera neo-expresionista, ya que fue influenciado por los artistas del expresionismo abstracto; su actitud y gestualidad fueron el atractivo de su personalidad, no sólo se destacó como artista visual, también dedicó su sensibilidad artística a la música. Andy Warhol consideró a Basquiat como una importante figura del arte contemporáneo pero disentía en su estilo de vida relacionado con las drogas, aún así trabajaron juntos en varias ocasiones.

Los cuadros de Basquiat fueron apreciados y en ciertos momentos las obras eran vendidas sin conclusión o incluso frescas. Cuando de encontraba en la cúspide de su carrera artística y su obra había llegado a importantes museos en Europa, murió de una sobredosis de heroína, tiempo después de haber asegurado que estaba limpio.

La película Downtown 81 (dirigida por Edo Bertoglio, escrita por Glenn O'Brien y producida por  Maripol), a pesar de no ser un documental de su vida, es un vivo retrato de un artista adolescente que lleva una vida compleja en la contracultura. Las acciones y los escenarios son característicos del momento histórico donde se presenta la parte baja de Manhattan en ruinas y en medio de la desolación. El tiempo corresponde a una jornada completa, en la cuál recorre las calles de Nueva York mostrando esa actitud de vagabundo, pobre y bohemio. Es un poeta que plasma sus pensamientos en los muros de los espacios citadinos. Basquiat será recordado como Samo, aunque como él mismo escribió: SAMO is dead.

Soho New York

Una de las zonas más visitadas de la gran manzana reúne los atractivos característicos del capítalismo y la sociedad de consumo, pero muchas personas podrían pensar que eso lo tiene Manhattan en su totalidad, sin embargo, el Soho comparte una historia apasionante a partir de su transformación citadina, misma supera lo inverosimil de la leyenda urbana que la mitifica. 

A fines de los sesenta el Soho era un barrio pobre rodeado de zonas industriales y prostitución, pero fue dos décadas antes cuando los altos costos de Greenwich Village y los bajos precios del Soho fueron el atractivo para que las enormes fábricas abandonadas fueran convertidas en lofts y estudios para los artistas de la escena citadina, eran valorados como espacios amplios, bien iluminados y con rentas bajas, pero los edificios estaban calificados para ser pequeñas industrias y almacenes, por lo que era ilegal habitarlos. En los sesenta el gobierno se propuso derribar los edificios  pero los artistas lograron salvar la zona que se convirtió desde entonces en un distrito histórico en 1973 recibió el nombre de SoHo Cast-Iron Historic District. Su diseño urbano se conoce como cast-iron architecture, el hierro fue un material que se utilizó después de la Revolución Industrial, por ser económico y práctico. 

En los setentas con la llegada de importantes galerías como Leo Castelli, Andre Emmerich y Jonh Weber, se inyectó capital a la zona. El Guggenheim inauguró su primer edificio en 1992. En los años ochenta emerge como un sitio donde las galerías no sólo albergan arte, sino también se convierten en boutiques de lujo, eso propicia un aumento en los precios y un elevado costo de vida para los habitantes. Los estudios y talleres de artistas se mudan a Tribeca y Chelsea, zonas que logran experimentar la misma historia.  

Actualmente, algunas galerías de arte siguen en la zona, pero su carácter refinado lo ha convertido en un atractivo turístico y un espacio para el comercio y el esparcimiento; gracias a sus tiendas y restaurantes.