El Surrealismo

Es uno de los movimientos culturales del siglo XX, tiene su origen en la poesía y su antecedente es Dadá del cual obtiene su anarquía y desesperación. El Surrealismo negaba a la sociedad con su estrecho y limitado entendimiento de la razón y sus reglas.  Procura ir más allá de lo visible, lo imaginario y refleja el pre-consciente. André Bretón lo denominó Automatismos, la inspiración está más allá de la razón. La pintura tradicional estaba en quiebra, pero aun recurren a este medio para expresarse.

 

Características:

• La palabra Surrealista fue aplicada por primera vez por Apollinaire en 1917
• Primer Manifiesto Surrealista 1924..
• Origen poético del movimiento y carácter literario.
• Recobra la realidad figurada.
• Al estallar la Segunda Guerra Mundial los artistas se trasladan a E.U. donde se convierte en un gozo vital.
• Toma elementos de la represión ideológica como el sueño, la sexualidad y el inconsciente.

Algunos artistas

Marx Ernest-Gala Éluard-1924-óleo

Max Ernst (1891-1976) Alemania. Desarrolla en sus cuadros una imagen que no sigue ninguna lógica, presenta asociaciones poéticas, no pinta lo que sueña, sino que pinta soñando, tiene un espíritu romántico, su inspiración surge de su interior, en algunos cuadros resulta difícil separar la vida y la muerte, lo humano de lo inanimado.  

La persistencia de la memoria-1931-Dali-MOMA

Salvador Dalí (1904-1989) España. Estudia en la academia de San Fernando en Madrid, ahí conoce a Luis Buñuel y Federico García Lorca entre otros. Desarrolla su personalidad y alimenta su necesidad de reconocimiento. Fue un gran dibujante y trabajó en pintura, fotografía, cine, escaparate, diseño de modas, joyas y creo su Casa Teatro Museo en Figueres. Salvador Dalí aportó el método paranoico-crítico. Hizo de la figura de Gala su Musa y fuente de inspiración, fue expulsado del Surrealismo por su fama y riqueza y permaneció en España durante el franquismo.

Joan Miró-Dutch interior-1928-óleo-MOMA

Joan Miró (1893-1983) España. No se adhiere al Surrealismo en su totalidad, Sus colores tienen raíces fauvistas. Aportó la curva liberando el color mostrando rasgos primitivos, en su pintura se muestra un rechazo a los convencionalismos, trazo sencillo y formas sin referente natural, es una pintura íntima y espiritual que se conduce a la abstracción.

La condición humana 1933-Magritte-Galerie Isy Brachot, Bruselas.

René Magritte (1898-1967) Bélgica. Muestra una exactitud fotográfica donde algunos elementos se incluyen al azar y son incongruentes, presenta alucinaciones donde la liberación imaginativa toma referentes sobre la función de la mirada, creando juegos visuales para confundir y cuestionar la interpretación del receptor.

Fuentes de Consulta

Durozoi, B. El Surrealismo, Guadarrama. Madrid, 1974.

Rubin, S. William. Dadá, Surrealismo and their Herritage. MOMA. New York, 1989.

Conde del, Teresa. Arte y Psique. Plaza y Janes. México, 2002.

Las Vanguardias

La historia del arte Moderno tiene un capítulo especial y corresponde a las Vanguardias, esto se da a partir de una sucesión de puntos de vista que se contraponen y participan en una dialéctica para disuadir la imagen tradicional. Son a su vez, movimientos ideológicos, políticos, literarios y artísticos. Su principal objetivo es la producción a innovadora, ya que pretendían una renovación radical tanto de la forma como del contenido, es una ruptura radical y los artistas buscaban la relación entre arte y vida tratando de confrontar los movimientos anteriores. Reivindica lo original y lúdico. Realizaban una crítica y reaccionaban ante las ilusiones de la modernidad por las contradicciones y el malestar que me manifestaba en la descomposición de las formas culturales.

Características:

•  Sucesión de puntos de vista parciales y contrapuestos.  
• Disolución de una imagen tradicional.
•  Proceso para la destrucción de la imagen.
• Descrédito de la realidad.
•  Descomposición de las formas culturales.

Objetivos

• Quebrar y distorsionar los sistemas de representación y expresión. La función social pierde su aplicación.
•  La autocrítica y autonomía de la praxis vital (ruptura con lo anterior).
• Superación de un estilo estético y rechazo a los valores que rigen el arte en la sociedad burguesa y de mercado.
•  Referencia negativa a la categoría de obra- acto de provocación.

Aspectos que influyen

• El arte y la vida se funden.
• La mirada se ocupa de lo cotidiano.
• Artistas anti-académicos.
• Buscan formas y colores expresivos.
• Utilizan materiales poco convencionales.
• Aportan una visión estética siempre diferente.

Cézzane el precursor

Paul Cezánne 1839-1906 (Aix de Provence, Francia) Vinculado al Impresionismo, pronto se desprende del movimiento para crear un arte nuevo, su propósito es la representación de la realidad objetiva sin los criterios ópticos de los Impresionistas, sin abandonar la base sensorial de su experiencia estética. Trabajó un estructuralismo lineal-geométrico para interpretar la luz y las sombras.

Edvard Munch 1863-1944 (Noruega). En su obra muestra la personificación de la lucha trágica del ser con la naturaleza. Pinta una serie de cuadros y realiza grabados donde abarca diversos aspectos de la vida humana, desarrolla un lenguaje para encontrar la expresión pictórica de los sentimientos, pinta el interior y no el exterior como los Impresionistas. La crítica desestimó su obra que reflejaba interés en la enfermedad y presentaba personajes deprimidos, solos y sin esperanza. Sus cuadros son trazados con violencia y movimiento, las preocupaciones sociales se manifiestan en el temor y alineación, es la mirada de un bohemio ante la vida burguesa y su doble moral. La composición y la técnica pictórica son sus mayores méritos  y no sólo sus vivencias. Es un precursor del Expresionismo.

 

Expresionismo

En la pintura los contenidos y actitudes emocionales se intelectualizan para crear una fusión entre arte y poesía, tiene sus raíces en el Romanticismo por lo cual muestra la subjetividad, esto a partir de la mezcla del sueño, lo real y lo imaginario. El alejamiento de Dios da origen a la angustia, es el reflejo de la desesperación y la angustia. El ser inmerso en el abismo donde predomina el caos busca refugio en sí mismo y comparte su visión íntima. Los elementos en el cuadro están disociados, aparece una deformación de la realidad y el color tiene significados simbólicos. Pretende crear un choque para posteriormente ofrecer una revelación.  En Alemania se formaron dos grupos: El puente fundado en Dresde en 1904 (Kirchner, Heckel, Nolde, por mencionar algunos). También se creó el Jinete Azul en Múnich (Marc, Macke, Delaunay, Kandinsky y Paul Klee entre otros). Algunos de ellos padecieron los estragos de las dos guerras mundiales, incluso hubo quienes fueron soldados (Otto Dix, por ejemplo).

Pablo Picasso 1881-1973 (España). Pintor y escultor considerado uno de los artistas más importantes del S. XX. Polifacético, inventor de formas innovador de técnicas y estilos, artista gráfico, escultor con 20, 000 trabajos. En su producción artística mostró una constante experimentación y autonomía, pasando de periodos monocromáticos: etapa azul (melancolía) etapa rosa (París).

Cubismo

Ataque al objeto y a la concepción del arte como representación de la realidad exterior. Es una reacción en contra del Impresionismo. El artista determina y pinta las formas geométricas básicas que componen los objetos, sobre todo el cubo y los planos que revelan las formas subyacentes. El objetivo primordial es evitar todo efecto naturalista y emocional. En el periodo analítico la paleta está restringida de grises, marrones, verdes y amarillo o diferentes tonalidades de un mismo color. En el periodo sintético, después de 1914, utilizan colores más brillantes. Artistas: Picasso, Braque y Juan Gris principalmente.

Características

•  Descomposición de la realidad desde diferentes perspectivas.
•  Obras con vida propia, independientes de la realidad.
•  Descomposición de imágenes en figuras geométricas para representar el objeto en su totalidad, incluyendo todos sus planos.

Henri Matisse 1869-1954, Francia. Su obra abandona la objetividad y muestra la recuperación de culturas orientales, su pintura transmite alegría y dinamismo.  Evolución continúa del color y emancipación de las convenciones perceptivas aceptadas en su época, coloca las figuras y los objetos en una extraña composición que abandona la realidad, simplifica, distorsiona y estiliza las figuras sin razón emotiva. En muchas de sus pinturas el color aparece como fondo las figuras están definidas por líneas y no están modeladas, a veces muestra una paleta suave, pero también crea contrastes de color.

Fauvismo

En movimiento efímero que sólo duró un año, los artistas interpretaron a su manera el uso del color para definir formas y así lograr expresar sus sentimientos. Esto a partir de la pureza y violencia del color, las formas se moldean en el color, se trata de una evolución continúa del color para emanciparse de las convenciones perceptivas, se le denominó “mecanismo pictórico”.   

Características

• La obra lleva en si misma su entera significación.
• No hay ruptura y se apegan al entendimiento tradicional del arte.
• No cuestionan la realidad.
•  Pintura alegre y dinámica.
•  Influencia del arte oriental, negro y primitivo.
• Figura definida por la línea y no modelada por las superficies.
•  Color directamente del tubo.

Futurismo

Movimiento renovador de la plástica que se funda en ideas anarquistas que posteriormente se relacionaron con el fascismo. Fue dominado por muchos manifiestos y se desarrolló a partir de la propaganda y publicidad. Para los futuristas era importante el fin del arte del pasado para dar origen a un arte nuevo. Sus principios se establecen a partir de la violencia, acción, fuerza y agresión. Al final la guerra dispersó al grupo. Interés por la tecnología como el automóvil

Conclusión: Las Vanguardias se preocuparon por innovar y trasformar, la vida del artistas se fusiona en las obras creadas, las guerras y las migraciones fueron vitales para el encuentro entre artistas, París fue el centro cultural más importante desde finales del XIX,  el mundo del arte se vio impactado por el talento de jóvenes artistas cuya amistad con poetas y filósofos fue muy importante. Estos son aspectos y características de las Vanguardias, queda pendiente el Surrealismo, pero por su importancia y trascendencia requiere de un capítulo especial.

Fuentes de consulta

Cooper, Douglas. La época cubista. Alianza editorial. España 1970

Denvir, Bernand. Fauvismo y Expresionismo. Labor, España, 1975.

Durozoi, G. El Surrealismo. Omega, España. 1974.

Fry, Edward. Cubism. Mc Graw-Hill Book, New York. (Sin fecha)

Estudio sobre la pintura: el temple

 

Presentación de Maria en el Templo, Giotto
1266-1337 Italia

Consiste en mezclar el pigmento con yema de huevo y diluirlo con agua, de preferencia destilada. Al aplicarlo sobre una superficie preparada el agua se evapora, el huevo y el pigmento forman una capa de color fino y resistente. Esta manera de pintar se conoce como “Temple antiguo”.

El temple no tiene la flexibilidad del óleo ni la nobleza de su aplicación pero seca rápidamente y el color conserva su frescura original, conserva su tono y eso no sucede con el óleo que se amarillea con el tiempo. La frescura de su color se puede apreciar en muchas de las grandes obras de la Edad Media.

 Los antiguos artistas de Babilonia, Grecia y China usaron el temple, se conservan muestras en tumbas egipcias, catacumbas cristianas y altares bizantinos. Para citar algunos de los grandes maestros que usaron la pintura al temple se puede comenzar con el florentino Giotto (1266-1337) que pintó en las iglesias de Asís y Padúa, las obras se conservan como recién acabadas de pintar y que tienen más de 600 años de su realización.



El nacimiento de Venus (1484) de Sandro Botticelli

El catalán Pedro Serra (1345-1405), pintó al temple “La anunciación” a finales del siglo XIV. Varias obras maestras de Fra Angélico (1387-1455) con sus azules que no tienen igual y que no podría obtenerse con otras técnicas Francesca (1410-1492) realizó “La natividad” un temple clásico y Duccio (1255-1319) en “Cristo curando a un ciego”. Piero Lorenzetti (1320-¿) con “La Virgen y los ángeles”. El también florentino Sandro Boticelli (1445-1510) con los maravillosos detalles del “Nacimiento de Venus”.



Durante los siglos XVII y XVII, el uso del temple fue casi olvidado, aunque algunos grandes maestros continuaron usándolo como base de sus trabajos para luego terminarlos al óleo. Una especie de renacimiento del temple se inició con el inglés Samuel palmer (1805-1881), el austriaco Gustav Klimt (1862-1918), el alemán Brocklin (1827-1901), el francés Gustave Moreau (1826-1898). Estos grandes maestros dieron una especie de revitalización a la técnica del temple.

A partir del americano Andrew Wyeth (1917-¿) y la nueva escuela americana, esta técnica ha cobrado nueva popularidad. Desde tiempos antiguos se han experimentado una gran diversidad de temples, que sin perder su característica fundamental, que es la frescura del color y su permanencia, de alguna manera se distinguen unos de otros

El período de máximo empleo del temple es anterior a la afirmación y difusión de la pintura al óleo. Entre los siglos XV y XVI, el temple es la técnica de las pinturas medievales. En su mayoría aplicada sobre madera.

Fra Angelico - La anunciacion (1430)

Se pueden distinguir tres grandes períodos en la forma y empleo del temple:

1. El período anterior a las grandes innovaciones de finales del siglo XIII y comienzos del XVI, superposiciones sucesivas de color.

2. En el siglo XVI y primer Quatrocento, el empleo del color aplicando sobre el dibujo veladuras sucesivas que se definen por transparencia.

3. Mezcla de los dos procedimientos anteriores pero fundamentalmente lo que caracteriza al temple son las transparencias.

A medida que la sensibilidad gana terreno, se aprecian otros valores distintos del dominio experimental de la visión, el sentido matérico, la pasta y la tactibilidad del material. Es entonces que el óleo comienza a estar más acorde con estas posibilidades.

Apuntes de la clase "Técnicas y materiales" Maestro Francisco de Santiago Silva. Academia de San Carlos.

Grafiti hip hop

Para comenzar una reflexión sobre Grafiti hip hop es importante comentar que la intensión, deseo y ejecución de pintar en las paredes tiene orígenes ancestrales, tal y como lo muestran los petroglifos y las cuevas donde se conservan las pinturas rupestres. Algunas personas toman como referencia los murales de diferentes épocas, pero lo que vale la pena distinguir es que las técnicas, los estilos y la iconografía del grafiti hip hop se relaciona con el imaginario colectivo y pertenece a una de las culturas globales más importantes del entorno contemporáneo.

Tanto la etimología de la palabra, como el origen, son temas a discusión, la palabra grafiti viene del italiano y significa rayar las paredes, esta referencia podría tener como ejemplo las inscripciones en árboles o en muros rascando o rayando, pero en grafiti hip hop en realidad es una escritura que sigue la tradición de las pintas a modo de consigna política, pero que renuncia al slogan y está centrado en la marca visible de un sujeto o varios que ejecutan la pieza en equipo, para dejar una marca semi-anónima, donde la rubrica y la gramática se alteran para codificar mensajes en clave.

El grafiti hip hop pertenece a la contracultura porque se apropia de los espacios citadinos cometiendo un acto voluntario para la desobediencia civil, contradecir los mecanismos que operan excluyendo a las minorías étnicas, pero sobre todo para disipar las barreras entre la creatividad, la disidencia y la travesura adolescentaria. Los estilos de grafiti son el tag, la bomba, la pieza y el mural. Se pueden diferenciar de las marcas territoriales de pandillas, porque precisamente de lo que se trata es de poder extender la visibilidad de su obra pictórica. Para eso usan la pintura en aerosol, modificando sus aplicaciones a partir del tamaño de las válvulas y de la aplicación de la línea. Algunas personas lo consideran un delito organizado cuando en realidad es una presencia dentro de las grandes urbes donde predomina el egoísmo y la indiferencia.

El grafiti, que pertenece a la cultura hip hop, abrió amplias posibilidades para la experimentación del entorno urbano, ya que la juventud logró transformar su vida a partir del ejercicio creativo, la adrenalina y la enseñanza en las propias calles de unos a otros. Lo que viene después del grafiti se ha clasificado como Logos street, la diferencia radica en la preparación, ya que los que realizan esténcil, sticker o empapelado, es la juventud preparada, especializados en diseño, que tienen no sólo las herramientas y los medios de producción, sino que toman como fuente de inspiración las calles para obsequiar al transeúnte una imagen decorativa, reflexiva, política o naif, cuyos referentes son los medios de comunicación colectiva. El arte urbano y contracultural se abre paso de forma secreta y clandestina en las grandes urbes cosmopolitas del mundo global.

Historia del arte

MET, Nueva York

Es la historia de todas las manifestaciones artísticas, en específico de las bellas artes, así como de las artes visuales clásicas. Procura un examen objetivo del arte, para eso clasifica y periodiza a partir de las distinciones, comparaciones e influencias. Materia que se ocupa de estudiar, clasificar, valorar y describir distintos movimientos artísticos, sistematizándolos según su ordenación cronológica, distribución geográfica y escuelas. Los géneros artísticos no son sólo un modo de clasificar las obras por su tema. A lo largo de la historia del arte, han sido la matriz misma de la creación artística que afecta a la técnica, al formato, a las dimensiones, al estilo y a la capacidad de comunicación.

Existen dos elementos a cosiderar: La técnica con la que ha sido compuesto y su valoración estética, es decir su belleza, esto en relación con su significación espacio temporal. La historia del arte es tributaria de la historia universal, ya que las obras suministran datos y son fuentes históricas. La obra es una creación subjetiva, una materialización de la inspiración, de las ideas libres que nacen del espíritu del artista.

El estudio de la historia del arte comienza en el Renacimiento y se enfoca en occidente, en función de sus valores culturales. Johann Winckelmann es el fundador de la historía del arte. Recupera la utopía de la sociedad helénica que se funda en la estética, es decir, la educación de la belleza y virtud (Espíritu Neoclásico).

Giorgio Vasari (Arquitecto, pintor y escritor) Realiza biografías  de artistas italianos entre 1542-1550. Era romántico, lúcido y entusiasta ante el movimiento realista. El trabajo de un historiador del arte implica buscar fuentes de información, no sólo se necesita saber la historia, se trata de ofrecer nuevas formas para entender y aproximarse a las obras desde otros contextos y retomar conceptos del pasado para su aplicación en el presente y futuro.

Arte: Imagen

El arte

Deriva del latín ars, significa habilidad o talento, oficio, profesión o técnica. El significado actual proviene del Italiano artte, con esa palabra se designaban los gremios o corporaciones de artesanos en la baja Edad Media. El concepto implica hacer o producir algo váliendose de una técnicas precisas. 

El arte es un objeto o concepto cuya expresión se manifiesta en diversas formas o ideas que se plasman por medio de  materiales, mismos que se transforman al ser manipulados, pero también el cuerpo del artista puede ser la obra en sí.

La creación artística implica producir belleza, suscitar emoción y proporcionar una experiencia estética, en específico en las llamadas Bellas Artes. Estudiar el arte implica concentración, interés y sobre todo amor, ya que muestra la libertad de creación, experimentación y el anhelo por descubrir.

La imagen

Constituye uno de los fenómenos culturales más importantes, una de las realidades vivas más apasionantes del entorno para el ser civilizado. La imagen es  figura o representación de una cosa. La palabra deriva del Latín Imago que significa figura, sombra e imitación. Por lo tanto, indica toda representación figurada y relacionada con el objeto representado, esto a partir de su analogía o semejanza perceptiva.

La imagen fija tiene su origen en el deseo del ser por retener y perpetuar a través del tiempo, un aspecto visual del entorno, su exterior. Se caracteriza por su grado figurativo, es la representación de objetos y seres conocidos intuitivamente a través de nuestros ojos y también por su iconicidad (el nivel de realismo de una imagen en comparación con el objeto que ella representa). La noción de forma está estrechamente relacionada con la idea de contorno y pertenecia a éste.

La existencia de imágenes implica la presencia de elementos: forma, movimiento y percepción humana, que sólo aparecen cuando hay un sujeto receptor. No puede haber imagen sin un proceso de comunicación. Del encuentro entre la imagen, el movimiento, la abstracción y la realidad, aparecen los distintos niveles de la esquematización. En la imagen intervienen fondo, contenido, significación ideológica, emotiva y sentimental

Estudiar el arte

Desde hace ya varios años emprendí la búsqueda, el encuentro con el arte. Mi primer aproximación fue un tanto idolatra, al considerar el arte como objeto sagrado, posteriormente me fui dedicando a la contemplación de piezas de museo, ahí hice el recorrido de clasificaciones y periodos, para posteriormente pasar a los estilos y movimientos artísticos de la modernidad, sin duda el choque con las vanguardias me preparó para conseguir que mi percepción no se perdiera en el laberinto de tendencias, modas y conceptos del arte contemporáneo.

Mi tema, como historiadora del arte ha sido el arte electrónico principalmente, desplazándome desde ese punto hacia la instalación, el performance, pero sobre todo el video, cine y fotografía.

Les doy la bienvenida a este curso y a la Universidad Iberoamericana, que será nuestro punto de reunión para analizar obras maestras, conocer nuevas formas de expresión en el arte audiovisual contemporáneo, pero sobre todo espero que desborden tus talentos y creatividad para experimentar con los medios que tienen a su alcance, en sus propias manos.