Arte feminista

Wack

La critica feminista radical que surgió a fines de los sesenta y durante los setenta en Estados Unidos, estaba enfocada en señalar que las mujeres habían tenido una presencia limitada y a veces nula dentro del ámbito la historia del arte. El problema principal fue que la mujer era la imagen: alegoría y representación simbólica. Las imágenes de mujeres que han sido idealizadas representan la belleza y el erotismo, así como la fertilidad, esto en relación con el desnudo como forma artística. Así se han difundido las imágenes de mujeres por medio del imaginario que ha predominado en la sociocultura en diversos periodos y épocas, cuya referencia se reduce al cuerpo: lo externo, su apariencia y aspecto, o su estatus dentro de la aristocracia y la burguesía. 

Guerrilla Girls

En 1973 Linda Nochlin abrió la discusión en el ámbito de la historia del arte, al preguntar ¿Por qué no ha habido grandes artistas mujeres? La pregunta se dirigió específicamente a cuestionar la valoración de los grandes maestros y el olvido de las creadoras, lo cuál desató la polémica. Los puntos que iniciaron la reacción que Linda Nochlin llamó en cadena fueron: el reconocimiento de las creadoras, la distinción entre arte femenino y feminista, la discriminación en el ámbito público y privado, los estudios que hacen falta dentro de la historia del arte respecto a las mujeres y el acceso al mundo del arte de aquellas dentro y fuera de los círculos privilegiados. En ese momento histórico surgió el interés por demostrar que si habían existido mujeres artistas, esto a partir de la búsqueda exhaustiva en los archivos y acervos para demostrar que si han existido pero que no eran reconocidas por su calidad ni valoradas. No era suficiente la inclusión de nombres de mujeres en el canon dominante de la historia del arte, eso podría ser una trampa para reproducir la inequidad.

Mujeres artistas 

Judy Chicago (E.U.A, 1939), quién trabajó con dedicación en la educación de otras creadoras en su proceso de formación. Un ejemplo de iconología vaginal es el trabajo de Judy Chicago, en su instalación The Dinner Party (1974–1979), Museo de Brooklyn Nueva York. Su labor fue dirigir un trabajo colectivo, creando a partir de sus ideas e inquietudes, una historia visual de las mujeres desde su perspectiva occidental. Al contar con el apoyo de cientos de voluntarias, fue creando las condiciones adecuadas para establecer talleres de pintura en porcelana china, cerámica y textiles, también fue necesaria la colaboración de expertas para coser y bordar. Como resultado obtuvo una obra articulada con procesos artesanales que anteriormente eran poco apreciados por su diferencia con las Bellas Artes, plasmando con destreza habilidades para decorar textiles y para complementar los elementos que componen la totalidad de la pieza. El resultado rompe con las artes de élite que coloca a las manualidades en segundo plano y las considera actividades de mujeres y para el ocio.

Orlan (1947, Saint-Etienne, Francia) exige en sus complejas creaciones, un desciframiento cuidadoso y a veces temeroso, por parte del espectador. Su trayectoria es amplia en la performance pero es por la intervención de su propia carne, piel y mente por lo que define su arte como carnal. Orlan realizó sus operaciones durante 1993, como ejercicio lúdico de intervención (quirúrgica) e identidad (transitoria), la metáfora se encarna en la persona. Fueron nueve intervenciones en total, llamó al proyecto Reencarnación y Omnipresence. 

Marina Abramovic (Belgrado, 1946), una artista reconocida por su labor en el performance Recién exiliada, Marina Abramovic vivió en Amsterdam, salió de Yugoslavia a causa de los conflictos étnicos que propiciaron la guerra civil. Ella decidió romper con su lugar de origen y adoptar otra cultura al emigrar a Holanda, ahí se encontró con una ciudad donde predomina la ideología protestante, asunto interesante ya que ella venía de una familia religiosa. Se sorprendió al encontrarse con la condición de aceptación y reglamentación sobre el negocio del sexo. En Role Exchange realizada en Amsterdam en 1975, Marina buscó acercarse a la vivencia y la situación de las mujeres sujetas a la explotación de su sexualidad para sobrevivir, pero en este caso específico, de quienes alquilan su cuerpo para el goce del otro. Mujeres que son mercancías, con valor de cambio (dinero) y valor de uso (cuerpo). Ella cambia de lugar con una sexo servidora, Marina se va a la vitrina y la Suze se va a la galería, esto con la intensión de sacarla aunque sea poco tiempo del lugar de la explotación.

 Estos son algunos ejemplos de mujeres artistas que lograron trabajar de acuerdo a los objetivos del arte feminista el empoderamiento, la resistencia y la transgresión para lograr con esto una identidad que no cumple con las atribuciones que la categoría mujer otorga por causa biológica y y conseguir así libertad, autonomía pero sobre todo equidad.

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 Referencia: 

Cervantes, Candy. Cuerpos efímeros: resistencia y transgresión en el arte feminista. Tesis de doctorado. UNAM, Facultad de Filosofía y Letras. 2010, México

El Surrealismo

Es uno de los movimientos culturales del siglo XX, tiene su origen en la poesía y su antecedente es Dadá del cual obtiene su anarquía y desesperación. El Surrealismo negaba a la sociedad con su estrecho y limitado entendimiento de la razón y sus reglas.  Procura ir más allá de lo visible, lo imaginario y refleja el pre-consciente. André Bretón lo denominó Automatismos, la inspiración está más allá de la razón. La pintura tradicional estaba en quiebra, pero aun recurren a este medio para expresarse.

 

Características:

• La palabra Surrealista fue aplicada por primera vez por Apollinaire en 1917
• Primer Manifiesto Surrealista 1924..
• Origen poético del movimiento y carácter literario.
• Recobra la realidad figurada.
• Al estallar la Segunda Guerra Mundial los artistas se trasladan a E.U. donde se convierte en un gozo vital.
• Toma elementos de la represión ideológica como el sueño, la sexualidad y el inconsciente.

Algunos artistas

Marx Ernest-Gala Éluard-1924-óleo

Max Ernst (1891-1976) Alemania. Desarrolla en sus cuadros una imagen que no sigue ninguna lógica, presenta asociaciones poéticas, no pinta lo que sueña, sino que pinta soñando, tiene un espíritu romántico, su inspiración surge de su interior, en algunos cuadros resulta difícil separar la vida y la muerte, lo humano de lo inanimado.  

La persistencia de la memoria-1931-Dali-MOMA

Salvador Dalí (1904-1989) España. Estudia en la academia de San Fernando en Madrid, ahí conoce a Luis Buñuel y Federico García Lorca entre otros. Desarrolla su personalidad y alimenta su necesidad de reconocimiento. Fue un gran dibujante y trabajó en pintura, fotografía, cine, escaparate, diseño de modas, joyas y creo su Casa Teatro Museo en Figueres. Salvador Dalí aportó el método paranoico-crítico. Hizo de la figura de Gala su Musa y fuente de inspiración, fue expulsado del Surrealismo por su fama y riqueza y permaneció en España durante el franquismo.

Joan Miró-Dutch interior-1928-óleo-MOMA

Joan Miró (1893-1983) España. No se adhiere al Surrealismo en su totalidad, Sus colores tienen raíces fauvistas. Aportó la curva liberando el color mostrando rasgos primitivos, en su pintura se muestra un rechazo a los convencionalismos, trazo sencillo y formas sin referente natural, es una pintura íntima y espiritual que se conduce a la abstracción.

La condición humana 1933-Magritte-Galerie Isy Brachot, Bruselas.

René Magritte (1898-1967) Bélgica. Muestra una exactitud fotográfica donde algunos elementos se incluyen al azar y son incongruentes, presenta alucinaciones donde la liberación imaginativa toma referentes sobre la función de la mirada, creando juegos visuales para confundir y cuestionar la interpretación del receptor.

Fuentes de Consulta

Durozoi, B. El Surrealismo, Guadarrama. Madrid, 1974.

Rubin, S. William. Dadá, Surrealismo and their Herritage. MOMA. New York, 1989.

Conde del, Teresa. Arte y Psique. Plaza y Janes. México, 2002.

Las Vanguardias

La historia del arte Moderno tiene un capítulo especial y corresponde a las Vanguardias, esto se da a partir de una sucesión de puntos de vista que se contraponen y participan en una dialéctica para disuadir la imagen tradicional. Son a su vez, movimientos ideológicos, políticos, literarios y artísticos. Su principal objetivo es la producción a innovadora, ya que pretendían una renovación radical tanto de la forma como del contenido, es una ruptura radical y los artistas buscaban la relación entre arte y vida tratando de confrontar los movimientos anteriores. Reivindica lo original y lúdico. Realizaban una crítica y reaccionaban ante las ilusiones de la modernidad por las contradicciones y el malestar que me manifestaba en la descomposición de las formas culturales.

Características:

•  Sucesión de puntos de vista parciales y contrapuestos.  
• Disolución de una imagen tradicional.
•  Proceso para la destrucción de la imagen.
• Descrédito de la realidad.
•  Descomposición de las formas culturales.

Objetivos

• Quebrar y distorsionar los sistemas de representación y expresión. La función social pierde su aplicación.
•  La autocrítica y autonomía de la praxis vital (ruptura con lo anterior).
• Superación de un estilo estético y rechazo a los valores que rigen el arte en la sociedad burguesa y de mercado.
•  Referencia negativa a la categoría de obra- acto de provocación.

Aspectos que influyen

• El arte y la vida se funden.
• La mirada se ocupa de lo cotidiano.
• Artistas anti-académicos.
• Buscan formas y colores expresivos.
• Utilizan materiales poco convencionales.
• Aportan una visión estética siempre diferente.

Cézzane el precursor

Paul Cezánne 1839-1906 (Aix de Provence, Francia) Vinculado al Impresionismo, pronto se desprende del movimiento para crear un arte nuevo, su propósito es la representación de la realidad objetiva sin los criterios ópticos de los Impresionistas, sin abandonar la base sensorial de su experiencia estética. Trabajó un estructuralismo lineal-geométrico para interpretar la luz y las sombras.

Edvard Munch 1863-1944 (Noruega). En su obra muestra la personificación de la lucha trágica del ser con la naturaleza. Pinta una serie de cuadros y realiza grabados donde abarca diversos aspectos de la vida humana, desarrolla un lenguaje para encontrar la expresión pictórica de los sentimientos, pinta el interior y no el exterior como los Impresionistas. La crítica desestimó su obra que reflejaba interés en la enfermedad y presentaba personajes deprimidos, solos y sin esperanza. Sus cuadros son trazados con violencia y movimiento, las preocupaciones sociales se manifiestan en el temor y alineación, es la mirada de un bohemio ante la vida burguesa y su doble moral. La composición y la técnica pictórica son sus mayores méritos  y no sólo sus vivencias. Es un precursor del Expresionismo.

 

Expresionismo

En la pintura los contenidos y actitudes emocionales se intelectualizan para crear una fusión entre arte y poesía, tiene sus raíces en el Romanticismo por lo cual muestra la subjetividad, esto a partir de la mezcla del sueño, lo real y lo imaginario. El alejamiento de Dios da origen a la angustia, es el reflejo de la desesperación y la angustia. El ser inmerso en el abismo donde predomina el caos busca refugio en sí mismo y comparte su visión íntima. Los elementos en el cuadro están disociados, aparece una deformación de la realidad y el color tiene significados simbólicos. Pretende crear un choque para posteriormente ofrecer una revelación.  En Alemania se formaron dos grupos: El puente fundado en Dresde en 1904 (Kirchner, Heckel, Nolde, por mencionar algunos). También se creó el Jinete Azul en Múnich (Marc, Macke, Delaunay, Kandinsky y Paul Klee entre otros). Algunos de ellos padecieron los estragos de las dos guerras mundiales, incluso hubo quienes fueron soldados (Otto Dix, por ejemplo).

Pablo Picasso 1881-1973 (España). Pintor y escultor considerado uno de los artistas más importantes del S. XX. Polifacético, inventor de formas innovador de técnicas y estilos, artista gráfico, escultor con 20, 000 trabajos. En su producción artística mostró una constante experimentación y autonomía, pasando de periodos monocromáticos: etapa azul (melancolía) etapa rosa (París).

Cubismo

Ataque al objeto y a la concepción del arte como representación de la realidad exterior. Es una reacción en contra del Impresionismo. El artista determina y pinta las formas geométricas básicas que componen los objetos, sobre todo el cubo y los planos que revelan las formas subyacentes. El objetivo primordial es evitar todo efecto naturalista y emocional. En el periodo analítico la paleta está restringida de grises, marrones, verdes y amarillo o diferentes tonalidades de un mismo color. En el periodo sintético, después de 1914, utilizan colores más brillantes. Artistas: Picasso, Braque y Juan Gris principalmente.

Características

•  Descomposición de la realidad desde diferentes perspectivas.
•  Obras con vida propia, independientes de la realidad.
•  Descomposición de imágenes en figuras geométricas para representar el objeto en su totalidad, incluyendo todos sus planos.

Henri Matisse 1869-1954, Francia. Su obra abandona la objetividad y muestra la recuperación de culturas orientales, su pintura transmite alegría y dinamismo.  Evolución continúa del color y emancipación de las convenciones perceptivas aceptadas en su época, coloca las figuras y los objetos en una extraña composición que abandona la realidad, simplifica, distorsiona y estiliza las figuras sin razón emotiva. En muchas de sus pinturas el color aparece como fondo las figuras están definidas por líneas y no están modeladas, a veces muestra una paleta suave, pero también crea contrastes de color.

Fauvismo

En movimiento efímero que sólo duró un año, los artistas interpretaron a su manera el uso del color para definir formas y así lograr expresar sus sentimientos. Esto a partir de la pureza y violencia del color, las formas se moldean en el color, se trata de una evolución continúa del color para emanciparse de las convenciones perceptivas, se le denominó “mecanismo pictórico”.   

Características

• La obra lleva en si misma su entera significación.
• No hay ruptura y se apegan al entendimiento tradicional del arte.
• No cuestionan la realidad.
•  Pintura alegre y dinámica.
•  Influencia del arte oriental, negro y primitivo.
• Figura definida por la línea y no modelada por las superficies.
•  Color directamente del tubo.

Futurismo

Movimiento renovador de la plástica que se funda en ideas anarquistas que posteriormente se relacionaron con el fascismo. Fue dominado por muchos manifiestos y se desarrolló a partir de la propaganda y publicidad. Para los futuristas era importante el fin del arte del pasado para dar origen a un arte nuevo. Sus principios se establecen a partir de la violencia, acción, fuerza y agresión. Al final la guerra dispersó al grupo. Interés por la tecnología como el automóvil

Conclusión: Las Vanguardias se preocuparon por innovar y trasformar, la vida del artistas se fusiona en las obras creadas, las guerras y las migraciones fueron vitales para el encuentro entre artistas, París fue el centro cultural más importante desde finales del XIX,  el mundo del arte se vio impactado por el talento de jóvenes artistas cuya amistad con poetas y filósofos fue muy importante. Estos son aspectos y características de las Vanguardias, queda pendiente el Surrealismo, pero por su importancia y trascendencia requiere de un capítulo especial.

Fuentes de consulta

Cooper, Douglas. La época cubista. Alianza editorial. España 1970

Denvir, Bernand. Fauvismo y Expresionismo. Labor, España, 1975.

Durozoi, G. El Surrealismo. Omega, España. 1974.

Fry, Edward. Cubism. Mc Graw-Hill Book, New York. (Sin fecha)

El Impresionismo



En la primavera de 1874 un grupo de jóvenes pintores desafiaron al Salón oficial de París y organizaron una exposición por su cuenta, esto marcó una ruptura con las costumbres establecidas, su trabajo rompía todas las reglas de la academia. La reacción de los visitantes a la exposición no fue amigable ni de aceptación.

Antecedentes



Monet, Impression del sol naciente 1892 Musee Marmotan

  Con la pintura al aire libre el color evolucionó hasta consolidarse como un auténtico medio de expresión. William Turner (Londres, 1775). Fue un artista romántico que mostraba en sus pinturas fugacidad, superficies vaporosas, difuminados y mezcla de colores intensos. Estudiar la luz y los efectos atmosféricos así como los desplazamientos en escenarios naturales fue una fuente de inspiración para uno de los movimientos artísticos más importantes de siglo XIX: el Impresionismo.

Una reacción técnica en la pintura que toma elementos de Romanticismo en específico de la pintura de Paisaje. Su intensión es plasmar la luz a modo de impresión visual sin importar las formas. Los artistas del impresionismo intentaron sustituir el ideal dominante de belleza por libertad. Con sus ejercicios pictóricos procuraron fragmentar la luz en sus componentes cromáticos tomando como referencia el paisaje y la naturaleza para posteriormente prescindir del negro y blanco. Las pinceladas son fragmentadas, la luz unifica la figura y el paisaje; en la creación es importante la facilidad y la prontitud para ejecutar la obra. Lo primordial es la luz natural que revela o también oculta, dependiendo del grado de intensidad, del tiempo y la interpretación de la realidad. La posición del sol produce ángulos de incedencia en las superficies y la sombra no es ausencia de luz, sino otra calidad de luz, los colores se mezclan en la paleta para conseguir los tonos.

El nombre se lo atribuyó un critico de arte (Leroy) de forma irónica y despectiva al ver el cuadro Impresión del Sol Naciente y desde entonces los artistas que nombraron: Los Impresionistas. Para el desarrollo del Impresionismo influyó el ferrocarril que permitió la comprensión del concepto de velocidad a partir de una realidad distorsionada. El acceso a la fotografía produjo el entendimiento de la visión a partir del color y no del dibujo, es la idea de la instantánea. Pero sobre todo la aparición del óleo en tubo, que permitió a los artistas salir del taller a los espacios abiertos.



Manet, Claude Monet con su esposa en el taller flotante-1874 Nueva Pinacoteca , Múnich

 Características:

1. El paisaje como tema principal, la luz produce matices colorísticos que permiten re-interpretar el agua y la nieve destacando los reflejos, donde la figura es poco frecuente.
2. Técnica: rápida, con pinceladas cargadas de materia pictórica.
3. Ausencia de perspectiva: desaparece el punto de fuga y la pintura se vuelve plana y bidimensional.
4.  Reacción contra el arte académico (El Salón).
5. Rebelión contra los temas clásicos. 
6. Temas de la vida cotidiana. 
7.  Representación expontánea y directa.

Técnica:

• Captar la incidencia de la luz sobre los objetos.
• Difuminar los contornos para luego reflejar los colores de los objetos que los redean.
• Aplicar directamente pinceladas cortas y yuxtapuestas para lograr brillos y tonos.
• Mezclar la pintura en el lienzo.
• Se elimina el dibujo y el único recurso es la pintura misma.

 Fuente de consulta

Rewald John, The History of Impressionism. MOMA, New York. 1961.

  

Discursos del arte

Existen diversas formas de iniciar el estudio del concepto del arte a través del tiempo. El tema puede tomar como fuentes de información y reflexión a teóricos que han desarrollado teorías en torno a ideas que se nutren de disciplinas como la filosofía, sociología, antropología e incluso la comunicación.

Uno de los autores que me interesa revisar es Gillo Dorfles con su propuesta de análisis del libro “El devenir del arte”. Aquí se plantea que los artistas tienen una vida condicionada por las experiencias pasadas y las intensiones futuras en su anhelo creativo-experimental, mismo que cuenta con una capacidad significativa y comunicativa que surge a partir de su capacidad de ideación.

Cuando el artista se logra enfrentar al fenómeno de la creación artística parte de un momento inicial buscando siempre el ideal de terminación, esto desde el momento que concibe a obra que llevará a su realización.

La energía creativa (el momento de inspiración) surge cuando ya instalado en el soporte y los materiales recurre a la organización dentro del campo figurativo, de todos los elementos asociados y con su función perceptiva cargada de significados que van más allá de la simple estimulación sensorial. Esa actividad artísticamente creadora, muchas veces se ve sometida a una continua proliferación autónoma. El ambiente y la experiencia se impone y

el artista tiene en su acervo mental el universo simbólico (mito, religión, rito), esta red simbólica corresponde a la experiencia humana, por eso, afirma el autor, “El ser no es un animal racional, es un animal simbólico y tiende a reaccionar de forma racional o conceptual.

Otro de los autores que aportan notablemente elementos para la comprensión del arte es René Berger en su libro “Modos de ver”, en este caso enfocado a la vista como un sentido vital para la experiencia estética. La vista, afirma el autor, establece nuestro lugar en el mundo circundante, ya que esta llega antes del habla y su importancia radica en que puede entrar en relación con la memoria colectiva que permite interpretar, decodificar así como reaccionar a ciertos estímulos que las palabras no cubren por completo.

Cuando vemos, aislamos una parte de la realidad (la que afecta a la retina) y no sólo miramos una cosa sino la relación entre las cosas, esto permite una visión en continua actividad (movimiento continuo). Ver para ser vistos, toda imagen, nos dice el autor, encarna un modo de ver.

La imagen como obra de arte está condicionada por suposiciones relacionadas con:

• La belleza

• La verdad

• El genio

• La civilización

• La forma

• Posición social

• El gusto

La unidad compositiva de un cuadro contribuye mucho a la fuerza de su imagen ya que permite transferir la emoción provocada por la imagen, al plano de la experiencia.

Para entrar en materia creativa es necesario comenzar por un ejercicio que muchas veces se considera preparatorio, pero en realidad puede ser una obra en su totalidad, ya que la técnica, habilidad y desempeño parte del punto, origen, la línea continuidad y la forma, su configuración.

Dibujar permite crear una imagen bidimensional, el proceso comienza al delinear una figura, producir un efecto de luz (claro-oscuro). El dibujo es una expresión gráfica cuyo límite es el plano (encuadre). Sirve para representar un objeto real o imaginario y se constituye por líneas y trazos, muchas veces es sólo un bosquejo (espacio, forma, dimensión). El dibujo artístico requiere de un boceto, una composición y propuesta visual, se puede crear contorno, sombra, volumen y proporción para los efectos de armonía.